Juan Molina, artista y creador de contenido: “No soy tiktoker, soy pintor”

Un retrato en su taller de la Gran Vía

Hay al menos 53000 estudiantes matriculados en la Universidad Complutense de Madrid, por lo que es normal que haya caras conocidas en más de una facultad, entre las que están las de los influencers. Uno de ellos es Juan Molina, de dieciocho años, quien acumula 15000 likes en TikTok y unas cifras similares en la visualización de sus vídeos, que tienen apariencia casi cinematográfica y que demuestran su virtuosismo como pintor y profesor en el Taller del Prado. 

El Taller del Prado es una galería de arte que presume de un fondo de más de 5000 obras. Cuenta, además, con servicios de asesoramiento en comisariado, identificación y tasación de obras, proyectos editoriales o enmarcación. Una de sus principales localizaciones es un ático en uno de los edificios neoclásicos de la Gran Vía, el número 16 de la arteria madrileña.

El lugar es uno de esos que sólo conoces con invitación. La puerta la abre Juan, que exuda confianza en cada movimiento. Pese a que en persona es más aparente su juventud, acentuada por su apariencia delgada, tiene el porte de alguien que ha meditado con antelación lo que hay que hacer. Antes de empezar la entrevista se ofrece a dar un pequeño paseo por el taller y compartir consejos sobre la realización audiovisual.

 ¿Cómo es su relación con la creación artística?

Con la pintura estoy desde muy pequeño, desde los siete u ocho años. Mi padre es artista y he pasado mi vida en el taller. Estoy muy satisfecho de tener oportunidades como el espacio del taller y el estudio: poder estar con alumnos y compartir este mundo en un espacio que es como pocos en Madrid, tan céntrico, con tanto espacio y ,en general, tan bueno.

¿Cuáles son sus principales influencias como artista?

En primera instancia, por lazos familiares, mi padre, Francisco Molina Montero. Trata mucho el tema de la figuración dentro de la abstracción, la materia, la pincelada… Después, he buscado otros referentes en figuración, profesores como Miguel Coronado, Paco Lafargá, Golucho y Antonio López. Esto funciona como el teléfono escacharrado, vemos a artistas más mayores, y ellos miraron a otros antes. Pero, al final, todos nos inspiramos en Velázquez porque todo va al mismo lugar. Todo vuelve. Hay que tirar de la raíz, no romper con lo anterior. Lo anterior tiene sentido, se ha estudiado para que lo aprendas. No seas tonto y no lo dejes de lado.

¿Es más difícil para los artistas jóvenes abrirse camino?

En cierto aspecto puede ser complicado. El mercado no está en la mejor situación. Hace unos años la gente tal vez se permitía más comprar obras de arte, pero ahora mismo no. Creo que hay una labor por parte de los artistas que tiene que ser meterse en galerías, ir a exposiciones… Somos jóvenes y deberíamos estar dentro de todos los lugares posibles. No es tan complicado proyectarte como joven, sencillamente hay que hacerlo mucho y tal vez ahora más que antes.

¿Cómo se lleva lo de estudiar y enseñar a la vez?

Ser alumno es curioso, todos sabemos la situación en la que están las universidades públicas. En Madrid se están haciendo muchos, aunque las bellas artes suelen sufrir muchos recortes en general, no solo a nivel académico. La facultad no es ajena a la situación económica y si hay declive, donde primero se resiente es en los servicios públicos. Se recorta de ahí para que estudie quien pueda pagarlo y no quien no pueda permitírselo. Siendo lo que es, es de agradecer la labor de los profesores porque la mayoría hace un muy buen trabajo. Ahora mismo por los recortes, la Facultad de Bellas Artes no es el mejor a nivel de medios, pero sigue siendo la mejor para el aprendizaje. 

Por otro lado, como profesor considero enriquecedora la relación que guardo con mis alumnos. Aunque, al dar clase en una academia privada, mi trabajo es muy diferente al que se hace en la universidad pública. Las clases, al ser privadas, la enseñanza es más personalizada y se estructuran según el alumno.  

 ¿Ha cambiado su perspectiva como estudiante siendo profesor?

¡Sí, claro! Aunque creo que es más curioso al revés: ha cambiado mi perspectiva como profesor. Ves a los alumnos y te preguntas qué sucede cuando estás hablando, y tienes que ser tú el que mantiene el hilo argumental para explicar cosas. Es complicado, porque un simple sonido puede distraerte, pero eres tú como profesor quien debe mantener la atención. Te cambia la perspectiva, lo vives con más seriedad y pensándolo todo mejor.

La humanidad no es únicamente lo utilitario, también tiene que ser disfrutar.

¿Qué lugar ocupa el arte en el contexto actual?

Siempre tiene que haber arte. Me gusta mucho un libro que habla de esto: La vindicación del arte en la era del artificio, de J.K. Martin. En él se dice que la única cualidad del arte es que es inútil y por eso lo único que te libera de pensar que todo es utilitario. Cuando llegas a un museo, lo último que piensas es en qué te aportará en términos prácticos, no va a arreglarte la pared, ni darte de comer… Ese carácter cultural tiene que ver con el aprendizaje, con salir de la rutina, con disfrutar lo que está pasando. La humanidad no es únicamente lo utilitario, también tiene que ser disfrutar y entender lo que pasa. Así que, si en una cena familiar dicen que el arte es inútil, pues ¡ole, es inútil!

¿Cómo es el contexto actual del arte?

La gente no se puede permitir lo que se permitía antes, por lo que los grandes compradores invierten en artistas consagrados. En ferias como ARCO se ve muy bien el tema del capital: se venden obras de 3000 euros para arriba porque los artistas que están allí suelen ser consagrados, por lo que mucha gente va detrás de ellos y de sus propuestas. En otras ferias, como Mad Art, donde el capital es mucho menor, hay más figuración. En cuanto a estilos, creo que el arte actual tiende hacia lo conceptual, hacia la abstracción, pero no pienso que eso deba marcar un camino único. Hay mucha variedad, la gente se encierra en esas dos etiquetas, pero están más relacionadas de lo que parece.

Se suele hacer mofa del arte abstracto y se confronta con el figurativo. ¿Qué opinión le merece esto?

La abstracción es muy interesante. Como todo, tiene sus nichos. A mí me gusta mucho la abstracción informalista: Valdés, Tapies, Canogar. Siempre hay un intento de explorar la plasticidad y lo pictórico. Me interesa cuando hay intención plástica y no simplemente campos de color, que se note que hay pintura. Eso se acerca a la realidad más que la propia figuración porque la realidad no es como en las fotografías o como en el realismo fotográfico. La realidad tiene más que ver con la abstracción, con lo que pasa cuando entrecierras los ojos, con la mancha. La abstracción tiene que estar siempre en la pintura figurativa, van de la mano. También hay que saber diferenciar qué es buena y mala abstracción, como todo en la vida, pero no se puede ridiculizar ninguna disciplina.

Además de artista también tiene presencia en redes sociales. 

 Hago pintura. Estoy dejando de lado las redes. Mi cuenta está sobre todo para conseguir alumnos o compradores. Es una cuenta de producto, mi producto era la obra, nunca fui yo. ¡No soy tiktoker! Principalmente soy pintor, pero los medios, las cámaras, los focos y las fotos me importan. Me interesa estar a la orden del día y generar buen contenido, si puede ser sin hablar, y que la imagen hable por sí sola. Pero bueno, se acaba recurriendo a eso y está bien, muchos alumnos me llegan por esa vía. 

Cuando eres artista, tiendes a hacer algo tuyo, algo que nadie te puede quitar

¿Cómo ve su futuro?

 Lo veo muy bien, cada año mucho mejor que el anterior. Estoy contento porque, aunque no tengo mucha obra ahora mismo, estoy pintando. Y, joder, eso da satisfacción. Me da igual si acabo siendo profesor o si termino en galerías y exposiciones. Ahora mismo tengo encargos, concursos… Estoy en segundo de carrera y las clases van muy bien.